LUCA MATTIONI. AGLI UNIVERSAL RECORDING STUDIOS I GIOVANI ARTISTI SCOPRONO LA PRODUZIONE PROFESSIONALE

di Piero Chianura

Da sempre Milano è considerata la città della discografia italiana. Proprio nel capoluogo lombardo, le tre major label che gestiscono la maggior parte del mercato musicale globale (Universal Music Group, Sony Music Entertainment e Warner Music Group) hanno le loro sedi italiane in palazzi moderni o prestigiosi, dotati anche di un proprio studio di registrazione.
Una buona parte degli artisti lanciati dalle big three della discografia è cresciuta producendo musica su computer, groove box, campioni e un microfono collegato a un’interfaccia audio. Ma che cosa succede quando uno di questi artisti deve entrare in uno studio di registrazione professionale per trasformare i suoi provini in produzioni adeguate alle richieste del mercato? Ce lo siamo fatti raccontare da Luca Mattioni, studio manager dei Recording Studios Universal Music Italy. 

Produttore e musicista con oltre vent’anni di esperienza in studio, Luca Mattioni è cresciuto come musicista e turnista nei club di Milano tra il jazz e il funk per poi passare alle produzioni di studio a Londra e a Milano lavorando come produttore arrangiatore e musicista con artisti quali Thirty Seconds to Mars, Emma, Francesco Guccini, Elodie, Loredana Bertè e molti altri.
Lo studio, il cui team che lo gestisce è composto, oltre che da Luca Mattioni, anche da Giuseppe Salvadori (sound engineer) e Davide Benetti (responsabile marketing e comunicazione), ha visto passare molti giovani artisti di generi e approcci diversi, tra i quali Samuray Jay, 22Simba, Anna, Praci, Myss Keta, Leo Gassmann, Rkomi, Angie, Selton e altri. 
La struttura dei Recording Studios Universal Music Italy è costituita da una writing room per scrivere, una production room per produrre musica su computer con vocal booth per riprendere la voce, una regia certificata Atmos di 37 mq per il mix e una live room di 75 mq per la ripresa degli strumenti, interconnessa a tutte le control room e perfetta per registrazioni live, produzioni, ascolti e prove. Gli spazi sono a disposizione di tutti gli artisti sotto contratto con le due etichette Island e EMI di Universal. Sono più di 150 artisti, molti dei quali hanno però un proprio studio o si appoggiano comunque a studi di registrazione con cui hanno già una relazione da anni. La cosa interessante, invece, è che passano da qui soprattutto i più giovani, quelli che hanno meno esperienza di studio. 

MusicEdu Il focus di questa intervista è proprio capire come si relazionano gli artisti più giovani con uno studio di registrazione professionale come il vostro, dopo che hanno composto la loro musica nel loro piccolo home studio digitale.
Luca Mattioni Definire il loro spazio di produzione musicale “home studio” è già una parola grossa, perché si tratta più spesso di un bedroom o kitchen studio composto da un computer portatile e un microfono generalmente chip. Ovviamente dipende molto dai generi musicali, ma il contesto prevalente è quello della urban, soprattutto trap e rap, il quale prevede che i ragazzi compongano in totale autonomia su un computer, un’intelligenza artificiale e programmi di download di sample già pronti da assemblare per fare i beat, che sono sostanzialmente arrangiamenti strumentali, anche se spesso loro non sanno che cosa sia un arrangiamento. Va precisato che stiamo parlando di ragazzi che non hanno proprio idea di cosa sia una produzione musicale, a differenza di ciò che accade in Inghilterra e negli Stati Uniti, in cui le produzioni urban, rap e trap che coinvolgono sempre un target giovanile, dai 12 ai 18 anni al massimo, fanno riferimento a una filiera produttiva che prevede ancora la presenza di figure “skillate” come si dice oggi, a fianco del rapper o del trapper di turno. In genere si tratta di un tecnico di studio, un tastierista che suona le parti, un batterista che programma la batteria o il groove su computer, figure in grado di produrre brani che potranno anche non piacere artisticamente, ma di cui è evidente la qualità della produzione. 

MusicEdu Cosa accade allora quando un giovane artista entra in studio da voi e si trova di fronte a una struttura professionale e competente a loro disposizione?
Luca Mattioni È stata la stessa Universal a chiederci di svolgere una funzione “educativa” nei loro confronti, cioè fargli capire cosa significa puntare a una produzione professionale a partire dalla registrazione della voce. Senza dimenticare che l’interpretazione, il mood e l’attitudine vincono sulla tecnica di registrazione, sempre e comunque, perché puoi anche avere una produzione fatta male, ma se un brano è bello arriva comunque e, viceversa, una produzione eccezionale non renderà mai un brano migliore. La prima cosa a cui devono abituarsi è però registrare la voce all’interno del vocal booth anziché in un microfono collegato direttamente alla scheda audio del computer. Una volta provata, poi cominciano a chiedere loro di poter cantare all’interno del vocal booth, anche perché noi abbiamo cominciato a spiegargli che quando vedono un video su Instagram o Tik Tok, non è sempre la realtà. Se, per esempio, guardando un video di un artista famoso, notano che è stato usato un microfono economico, noi gli spieghiamo che quel microfono è stato usato solo per le riprese perché non impallasse il video, e che in studio, invece, ne hanno usato un altro più costoso e ingombrante. A volte si intestardiscono e vogliono proprio quello che hanno visto usare nei video, ma ci sono molte situazioni in cui facciamo proprio un lavoro di educazione tecnica e musicale aiutandoli a fare le scelte corrette. Come quando gli racconti che la maggior parte dei rapper americani conoscono molto bene la musica perché rappano delle suddivisioni ritmiche meglio di un batterista e si sente! Gli spieghiamo anche che quelle dei rapper sono voci importanti, di gente che se in studio continua a usare strumentazione top level ci sarà un motivo. E gli facciamo sentire anche la differenza che fa sulla voce usare la sua scheda audio per pc e un’interfaccia professionale all’interno di una catena analogica professionale.

MusicEdu Un’esperienza in studio di questo tipo alza anche il livello delle aspettative di un artista quando deve scegliere le attrezzature del suo studio casalingo e anche dal vivo.
Luca Mattioni Negli ultimi 15 anni è passata la narrazione che basta che l’idea sia forte e arrivano i risultati. Penso al titolo della rivista Rolling Stone sul successo di Billie Eilish “Come vincere un Grammy con 2.500 dollari”. Ecco, se pubblichi un titolo del genere poi i ragazzini si convincono che sia sufficiente comprare lo stesso microfono e le stesse casse usate da Billie Eilish a casa. Vagli a dire che poi hanno speso 300.000 dollari per produrre il disco, che l’hanno mixato in uno studio a Los Angeles e che dietro c’è una produzione di gente super competente… senza contare che lei è figlia d’arte e il fratello è un musicista molto bravo. Tutta questa narrazione a loro non arriva. Arriva solo che con un computer e poco altro è uscito un disco che ha vinto il Grammy Award.

MusicEdu In realtà è successo anche con Moby, che ha prodotto il suo disco di maggior successo nel suo studio casalingo… 
Luca Mattioni Certo, anche Beck ha fatto il suo primo disco in casa. Ma stiamo parlando di musicisti già in carriera che hanno deciso di farli apposta così. Il punto è che un ragazzo può anche comprarsi le cose che abbiamo qui in studio, per provare a usarle a casa. Ma se quando viene da noi scopre come far suonare un Moog vero o, banalmente, come si collegano correttamente gli strumenti per ottenere un gran suono, poi vuole tornare. Ora, è vero che Universal è una multinazionale e non una Onlus, ma l’aspetto culturale finalmente viene considerato come un investimento. Noi siamo  pur sempre i depositari del catalogo dei Beatles!

MusicEdu È vero anche che l’industria discografica sta perdendo fatturato e forse si comincia a pensare che l’assenza di investimento culturale sia una delle ragioni di questo declino.
Luca Mattioni Perciò noi internamente cerchiamo di alzare la qualità. Cercare non vuol dire riuscirci, ma la strada che va percorsa è questa. In alcuni casi ci sono stati ragazzi che ci hanno anche chiesto di lavorare con noi.

MusicEdu Ci sono state produzioni in cui pensi di aver veramente contribuito anche alla crescita artistica dei ragazzi? 
Luca Mattioni Sì. Anche se è normale che la produzione in studio migliori molto la qualità artistica di un progetto musicale, spesso è proprio la competenza del giovane artista a crescere in studio da noi. Capita infatti che nascano con loro collaborazioni positive perché quando ascoltano quello che facciamo o vedono come lavoriamo, ci chiedono di mettere mano ai loro brani nella fase di mix e a volte anche in produzione.

MusicEdu Quando si entra in uno studio professionale a registrare per la prima volta, di solito viene mortificata la spontaneità. E oggi che la spontaneità e la personalità dei più giovani è più vocale che strumentale, è sulla loro voce che si misura il valore della registrazione in studio, giusto?
Luca Mattioni Esattamente. Però bisogna andare a piccoli passi perché a volte può accadere proprio che si blocchino. Dopo che gli hai fatto provare tre microfoni per scoprire qual è il migliore per la loro voce, può accadere che non si sentano in grado di cantare da soli in una vocal booth. Il ruolo del produttore, che non è quello del “producer”, è proprio curare l’aspetto psicologico, non semplicemente dare l'”un, due e tre” e registrare. È su questo che in loro manca totalmente l’esperienza.

MusicEdu Immagino che nel vostro studio passino anche altri generi oltre all’urban.
Luca Mattioni Sì, e secondo me stanno ritornando un po’ di più le melodie legate a un nuovo cantautorato, non necessariamente De Gregori, Dalla, Pino Daniele ecc., ma comunque di ragazzi che suonano, scrivono e performano. Noi cerchiamo di evitare di produrre artisti solo chitarra e voce come è accaduto in anni recenti perché preferiamo lavorare con un team di produzione più allargato, dove magari sono previsti anche altri strumenti oltre alla chitarra. Ovvio che una produzione del genere costerà di più, ma secondo noi va ricercata un po’ di più la qualità nella produzione perché fa anche crescere il pubblico spostandolo da produzioni più povere e quindi meno qualitative. Il fatto è che si è abituata una generazione ad ascoltare determinate cose in modo acritico. Per esempio, la prima volta che ho usato l’auto tune in studio era il ’99. Quindi non mi si può dire che l’auto tune è moderno. Di certo il suo utilizzo e quel tipo di sonorità sulla voce utilizzata a sproposito e ovunque ha fatto sì che le nuove generazioni si abituassero a quel suono. Tanto che una voce naturale, seppur eccezionale, senza auto tune per loro è strana, è stonata. Questo è il motivo per cui al festival di Sanremo capita che anche i cantanti super bravi lo chiedano perché dopo di loro c’è sempre qualcuno che canta perfettamente intonato grazie proprio all’auto tune. Questo è un caso di distorsione nell’ascolto, ed è per questo che credo che l’ascolto vada insegnato. Sapere come sono state fatte le cose è fondamentale per fare delle scelte. Io dico sempre che la trasmissione tv più vista della storia non è Temptation Island ma How It’s Made, una trasmissione che faceva vedere in tutto il mondo come venivano fatte le cose, dalla bottiglietta di plastica a qualunque altro oggetto di uso comune che quasi nessuno sapeva come venisse prodotto. E anche se nella produzione musicale oggi possiamo scaricare sample già pronti da assemblare o possiamo usare l’intelligenza artificiale per generare un brano fatto e finito, bisogna comunque sapere come assemblare i campioni e istruire l’IA con competenza. Infatti molti producer sono music maker e DJ con una cultura musicale impressionante proprio grazie agli ascolti che hanno fatto. Alcuni ragazzi mi dicono “voglio creare il suono del futuro”. Ma se non conosci il vecchio, non puoi prendere una strada nuova. Se ascolti Bruno Mars, devi sapere che quella progressione armonica arriva da Michael Jackson, e non sto dicendo che l’ha copiata perché ha una struttura diversa e un proprio linguaggio lessicale. 

MusicEdu In qualche modo Universal Music Italia ha creato le premesse per una nuova produzione italiana, un po’ come è già accaduto in Francia.
Luca Mattioni Esattamente. Perché anche se ci sono chiare radici black, la produzione francese ha delle sue caratteristiche proprie, così come le produzioni nordafricane, che molti ragazzi Italiani ascoltano. Però a loro dico sempre che se vogliono fare la trap devono conoscere la black music, devono ascoltare James Brown. E se poi volessero suonare il funk, non potrebbero neanche prescindere dal jazz, perché è un linguaggio che si è evoluto continuamente e che occorre conoscere per sviluppare il proprio. Penso ai grandi artisti hanno sempre fatto melting pot, a partire da Prince che ha preso il rap, il funk, il jazz, la disco e ha messo tutto insieme a modo suo.

MusicEdu Dopo che i giovani musicisti digitali hanno prodotto la loro musica in studio, magari aiutati quasi totalmente dalle macchine, come fanno poi a rispondere alla chiamata di un concerto dal vivo? 
Luca Mattioni C’è un problema alla base che viene creato in studio e che questa volta non è la loro voce. È il fatto che, indipendentemente dal genere, se non ci sono musicisti che partecipano alla loro produzione, non ci saranno poi parti replicabili dal vivo. E quindi andranno dal vivo con le basi. Ci sono invece dischi che, anche se sono molto elettronici, hanno una scrittura delle parti suonabilissima che permette poi di andare dal vivo, anche con strumenti acustici e il mood arriva proprio perché li si può risuonare. Quindi se un disco è solo sound design, come accade purtroppo nell’80% dei casi, dal vivo come ci vai? Con questo non voglio certo dire che si debba produrre solo musica eseguibile dal vivo, ma da produttore è una cosa che devo tenere in considerazione. Perché comunque dal vivo ci devi andare, e se non funzioni lì, magari perché sei da solo con le basi perché non hai i musicisti che ti supportano, e sei quindi ancora più esposto perché non c’è l’impatto sonoro di una band, salta tutto. Quindi già in fase di produzione è essenziale valutare come potrà essere dal vivo un artista. 

MusicEdu Senza fare nomi e cognomi, quali errori commessi da qualche giovane artista ne hanno compromesso la carriera, secondo te? 
Luca Mattioni Uno degli errori più frequenti, soprattutto tra i ragazzi molto giovani, è quello di programmare live al di sopra delle loro possibilità. Succede che magari funziona bene lo streaming di un artista, che però non ha mai fatto una serata in vita sua, e dopo essere stato sul palco di Sanremo, quando c’è da decidere dove fare la prima data la si fissa in un palazzetto. È prevedibile che la cosa possa non funzionare. Ricordo che a una giovane cantante, seppur bravissima, si è voluto far fare San Siro ed è stato un vero e proprio autogoal. Il fatto è che bisogna evitare di montare l’artista per evitare di bruciarlo e cercare invece di fargli fare un percorso un po’ più lento, anche un po’ più faticoso, se vuoi, ma quando poi arrivi all’obiettivo ci rimani. Penso a come sono arrivati al successo artisti come Marco Mengoni, per esempio. Ma anche Ultimo, che ha fatto un sacco di serate di pianobar dove ha imparato a rapportarsi con la gente e si vede benissimo da come gestisce pianoforte e voce con il giusto mood. Anche Cesare Cremonini, per esempio, dopo i Lunapop ha fatto il suo percorso mettendosi a studiare per anni, ascoltando tantissima musica, e ora che fa San Siro, nessuno può dire che non se lo sia conquistato.

MusicEdu Quali altri errori sulle scelte musicali vengono fatti, invece?
Luca Mattioni L’errore principale è guardare cosa sta andando tra i primi 10 artisti su Spotify e decidere di fare la stessa musica, cercando di assecondare le playlist. A volte in un artista non c’è proprio la materia prima, ma quando c’è si sceglie di mortificarla per seguire quello che tira in quel momento. Ora però che le playlist stanno facendo fatica, si apre qualche porticina alle novità. Ai nostri tempi qualcosa di musicalmente diverso dal mainstream era considerato figo. Oggi invece se un ragazzo ascolta qualcosa di diverso è uno sfigato. Eppure qualcosa sta cambiando perché si è saturato il mercato. Chi produce musica deve però riconoscere che occorre fare più fatica e spendere più tempo per ottenere risultati duraturi rispetto a una trap fatta in due giorni. Noi come Universal, essendo una multinazionale, non siamo più nella posizione di essere trend setter. Le case discografiche in generale non sono più dominanti. Fatto salvo per il movimento indie degli anni Ottanta o quello dei centri sociali anni Novanta, erano le grandi label a poter condizionare il mercato mentre ora il ruolo della label è più quello di follower di quel che succede fuori.

MusicEdu Aprire lo studio di registrazione per conto terzi è anche un modo per fare talent scouting verso una comunità di musicisti che oggi non riesce a suonare dal vivo e che compone musica quasi in completa solitudine.
Luca Mattioni Verissimo. Lo studio aperto agli esterni è una fonte di guadagno, ma offre anche l’opportunità di scoprire nuovi talenti. Ormai sono lontani i tempi in cui se volevi diventare turnista e poi andare a suonare in tour con i grandi, riuscivi a fare pratica continuamente dal vivo. Suonavi nei locali e con quello che guadagnavi ti compravi gli strumenti, ma soprattutto imparavi continuamente. Oggettivamente adesso un ragazzo suona da solo su Instagram e anche se uno è bravo, perché mette online i suoi take migliori, non sarà mai come quando ci si trova a suonare dal vivo con alti musicisti. È lì che si impara a seguire il timing del batterista, a stargli dietro, ad ascoltare cosa fanno gli altri. Qualche tempo fa avevo chiamato in studio un paio di ragazzi che avevo individuato su YouTube e su Instagram, ma dal vivo la differenza era abissale. Non è colpa loro perché studiano molto di più e sono molto più preparati di quanto lo fossi io a 20 anni. Peccato che io suonavo tutte le sere e quindi conoscevo i miei limiti e capivo le cose da migliorare giorno per giorno. 

MusicEdu Quando ottieni centinaia di migliaia di visualizzazioni ed entri in studio pensando di essere pronto e invece ti accorgi che il mondo reale è diverso…
Luca Mattioni Quando sei su un palco e magari ti senti male perché la spia non funziona o quando sei un bassista in studio e devi tenere il timing suonando degli ottavi a 80 BPM… Ripeto, non è colpa loro, perché una volta un giovane musicista avrebbe passato il pomeriggio a studiare le parti perfettamente, ma la sera sarebbe andato a suonare scoprendo invece cosa non andava. Anche quella era formazione musicale.

MusicEdu Parlami della tua attività didattica fuori dallo studio di registrazione.
Luca Mattioni Da circa due anni e mezzo tengo delle lezioni presso il master della 24ore Business School. Ho iniziato dichiarando subito di non essere un insegnante ma un professionista che gli avrebbe parlato del suo lavoro, visto che ho vissuto in studio e sui palchi tutta la vita. Così ho cominciato a parlare della tecnologia che ha influenzato il suono della discografia nel corso delle decadi, a partire dagli anni 30 e come ha influenzato poi il mercato. La prima lezione era piaciuta molto e così mi hanno chiesto di continuare. Faccio anche venire gli studenti qui in Universal, per fagli ascoltare i brani con un sistema audio di qualità e poi gli spiego il “dietro le quinte” del come si lavora da noi e cosa significa occuparsi dell’A&R [Artists and Repertoire, che cura il percorso artistico dei nuovi talenti, NdR]. Io stesso ho una formazione verticale, ma ho dovuto acquisire una preparazione orizzontale negli anni occupandomi di cose come la contrattualistica e altri aspetti legati alla gestione degli artisti. Perciò agli stagisti consiglio sempre di studiare e prepararsi anche per conto proprio.